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Annie Leibovitz

Anna-Lou «Annie» Leibovitz (n. Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling  Stone y Vogue.En 1983 ganó un Grammy en la categoría Mejor portada de un álbum,al año siguiente fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año.En 1988 recibió el premio  por la campaña publicitaria de American Express y en abril del 2000 la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le dio el título de «Leyenda viviente».

Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografia documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993.Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images.

    Integrantes: Contreras Digna, Coli Brenda,  Arrative Sabrina

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ADRIANA LESTIDO…

Biografia:

Nació en Buenos Aires en 1955. Comenzó sus estudios de fotografía en 1979. Entre 1982 y 1995 se desempeñó como reportera gráfica para el diario La Voz, la agencia DyN y el diario Página 12. Realizó trabajos fotográficos como El amor (1992-2005), Madres e hijas (1995/98), Mujeres presas (1991/93), Madres adolescentes (1988-90), Hospital Infanto-Juvenil (1986-88). Desde 1995 complementa su producción artística con la docencia, coordinando talleres y clínicas fotográficas. En 2002 fue invitada a participar del proyecto Violencia / Silencio por Trama (Argentina) y Pulse (Sudáfrica), que se realizó en Durban y Nieubethesda (Sudáfrica). Ha sido convocada como curadora en numerosas oportunidades. En 2004 formó parte del jurado de la Fundación Nuevo Periodismo dirigida por Gabriel García Márquez (Cartagena, Colombia) y en 2005 fue invitada a Londres como jurado del concurso La mirada justa, por el British Council y la Asociación de Derechos Civiles. En 2007 realizó un taller de fotografía en la cárcel de mujeres nº3 de Ezeiza. A partir de 2005 colabora en la edición de la revista Dulce Equis Negra y de los libros de la Colección Fotógrafos Argentinos. Ha expuesto su trabajo en forma individual y colectiva en el país y en exterior, realizando este año una retrospectiva – Lo que se ve, fotografías 1979/97 – en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Publicó dos libros: Mujeres Presas (colección fotógrafos argentinos, 2001, reedición 2008) y Madres e hijas (La Azotea Editorial, 2003, con un subsidio de la Fundación Guggenheim). Entre otros premios y distinciones obtuvo la beca Hasselblad (Goteborg, Suecia) en 1991, el Premio Mother Jones Internacional Fund (San Francisco, USA) en 1997, el premio Leonardo (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires) en 1998, el premio Konex en 2002, la beca Gugegenheim (USA) en 1995, otorgada por primera vez en Argentina en fotografía. Sus obras forman parte de las siguientes colecciones: Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo Castagnino Macro, Rosario, Argentina; Museum of Fine Arts, Houston, USA; Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela; Bibliothèque Nationale, París, Francia; Chateau d’eau, Toulouse, Francia; Hasselblad Center, Göteborg, Suecia; Centre Régional de la Photographie Nord Pas-de-Calais, Francia; Colecciones privadas de Argentina, Estados Unidos y Francia.
Es representada por la agencia Vu (París, Francia). Vive y trabaja en Buenos Aires.

Una retrospectiva de Adriana Lestido

Treinta años después de salir por primera vez a la calle con una cámara de fotos, de empezar a poner su vida en esas imágenes, Adriana Lestido no sabe qué pasó entonces por su cabeza. Sabe -por algo es una de las fotógrafas argentinas más reconocidas- que la llevaba una pasión que no ha menguado. “La fotografía me tomó a mí”, dice ahora, días antes de la apertura de Lo que se ve, una retrospectiva que abarca su obra entre 1979 y 2007.

Desde entonces, Lestido no paró de mostrarnos el mundo, un mundo marcadamente femenino lleno de impactantes imágenes de mujeres, madres, hijas. Pero también un mundo plagado de víctimas de la injusticia, de sentimientos sobrecogedores, que la mirada de Lestido ha sacado de la oscuridad para convertirlas en parte de “lo que se ve”.

Lestido es conocida por una serie de ensayos, como Madres e hijas, Mujeres presas, Madres adolescentes y Hospital infanto-juvenil. ¿Qué la lleva a armar esta retrospectiva? “La intención de recrear todo lo que he hecho hasta ahora, para poder ver más allá de lo que vi en cada ensayo particular, para llegar a expresar el hilo conductor de todo mi trabajo”.

Adriana lleva tres años trabajando en esta muestra, compuesta por 160 fotografías, que proponen un recorrido cronológico por todos sus ensayos fotográficos. Todos, incluso los que nunca se habían exhibido, como El amor (1992-2005) y Villa Gesell (2005).

-¿Cuál fue el criterio principal en la elección de las fotografías? -Me propuse revisar lo que hice, desde lo que soy hoy, que quedara la médula de todo mi trabajo.

El hilo conductor de la exposición lo llevan una serie de fotografías únicas, no pertenecientes a ningún ensayo, acompañadas de textos de algunos de los autores que reconoce han influido en su vida y en su arte, como Sara Gallardo, de la que toma el nombre de la muestra, John Berger, Alejandra Pizarnik o Jung.

La cámara de Lestido no busca ficciones, se hace eco de realidades, habla de mujeres y de vidas difíciles.

-Qué opina de esa injusticia que de forma tan directa retratan sus imágenes?

-Pienso que existe a pesar de mí. No lo busco, pero en mi caso el impulso creativo tiene mucho que ver con lo femenino, lo maternal, con la injusticia y la falta de familia, con todo lo marginal, con todo aquello que necesito comprender. Aunque todo eso está cambiando y las últimas series son muy diferentes.

Lestido se reconoce influida por importantes fotógrafos como Nan Goldin o, de forma especial Dorothea Lange, pero opina que las influencias van más allá de las que ejercen los compañeros de profesión: “Todo lo que a uno le llega realmente influye de alguna manera”.

-¿Qué es lo más importante en el trabajo creativo?

-Me quedo con las imágenes que tienen vida propia, las que crecen con el tiempo, las que responden a una necesidad profunda.

¿Qué viene después de una muestra como ésta, cuáles son los planes futuros? Lestido dice que no tiene planes concretos: “Por supuesto, tengo fantasías, pero son livianas, y cambian todo el tiempo. La energía la pongo en el presente”.

El presente de esta muestra viene de la mano de un pasado de dolor y la fotógrafa no desconoce cómo se vinculan.

-Usted empezó a hacer fotografías el año de la desaparición de su marido. ¿En qué sentido eso actuó como detonante?

-En realidad eso es algo de lo que me di cuenta mucho tiempo después; la relación entre su desaparición y la irrupción de la fotogr
afía en mi vida. La ficha me cayó mientras hacía Madres e Hijas, en el 96. Es posible que haya sido el detonante, pero son cosas muy dolorosas y personales, no puedo explayarme mucho. Este año se cumplen 30 años de su desaparición y quizás de alguna manera esté cerrando una etapa de dolor con esta muestra. Se la dedico a él y a una amiga muy querida.

 

Por: Fiorella Antonella Balbi, Macarena  Andrade 3º Pol.

Marcos López es un fotógrafo nacido en la localidad de Gálvez y criado en la ciudad de Santa Fe, estudió ingeniería y en el 78 empezó a tomar fotografías, por lo que dejó la universidad. Con una beca del Fondo Nacional de la Artes se instaló en Buenos Aires, fue a talleres argentinos y extranjeros, fue alumno de Gabriel García Márquez en la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños de Cuba, también estudió con Pino Solanas. Mostró su fotografía en Latinoamérica y en algunas capitales europeas. Además de su producción fotográfico dirigió el documental “Entra la selva y el río” sobre el poeta y músico misionero Ramón Ayala (Canto al Río Uruguay, El Jangadero, El cosechero).

Desde la mirada de Marcos López, “la fotografía es una excusa para exorcizar el dolor. Transformar en poesía la resaca de un tequila de segunda marca. Por eso me gustan los mariachis. Se les paga cuando llegan, cantan poco y se retiran sin saludar. Uno los contrata para que muestren que la alegría es posible. Por lo menos quince minutos. Lo demás ya se sabe. Cuando los grandes se emborrachan, cuando en la mesa hay desperdicios de pollo frito mezclados con pastel de crema, cuando llega la noche del domingo, la fiesta se tiñe de amargura. Siempre”.

El Museo Castagnino inaugura una muestra de Marcos López que se llama Vuelo de Cabotaje, con curaduría del experto Fernando Farina. La exposición itinerante recorrerá Paraná, San Juan, Mendoza, Córdoba, Neuquén, La Plata y Buenos Aires. La serie de personajes típicos locales se presenta en las fotos a la manera de un estudio sociológico, a partir de una mirada donde el color realza lo más oscuro, lo critica y lo desviste.

El viernes 12 de febrero a las 20 hs, será la inauguración de vuelo de Cabotaje, que permanecerá colgada en el Castagnino hasta el 4 de abril. Una buena oportunidad para conocer a este prodigio fotógrafo argentino y santafesino Marcos López.

Alumnas: Anita Alderete , Giuliana Gallo,  Cecilia Moya, Melisa Gonzalez, Cecilia Malvares.

por Johana Pereira y Johana Huenelaf      

                                  RES
Nació en la ciudad de Córdoba, Argentina, en 1957. Cursó estudios de Fotografía en la Escuela de Arte Lino E. Spilimbergo (Córdoba) y en la Casa del Lago, Universidad Nacional Autónoma de México (México D.F.).

Suma 22 exposiciones individuales entre las que destaca la recientemente realizada retrospectiva de su obra El juicio, lo abyecto y la pata de palo en el Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina, en 2009.

Algunos reconocimientos recibidos son el Premio Nacional de Fotografía Fundación OSDE en 2005; 1er. Premio MNBA – Fundación Banco Ciudad de Buenos Aires y Artista del año, Asociación Argentina de Críticos de Arte, Buenos Aires en 2002; Premio Especial del Jurado, Premio Palermo – MNBArtes, Buenos Aires en 2000. Uno de los fotógrafos más reconocidos en su país, forma parte indiscutible de la lista exigente de artistas argentinos contemporáneos.

En más de un sentido, la obra de Res formula una articulación entre la práctica artística y la política que excede las nociones tradicionales de arte político. El arte puede hacer evidente el carácter erróneo de la verdad; pero esta cualidad resultaría inútil, por permanecer encerrada en el campo autónomo del arte. A menos que concibamos la fotografía como un modelo de pensamiento. Y el pensamiento, acción política.

Ha desarrollado una vasta obra que de manera imaginativa aborda diversos temas recurriendo a una amplia gama de técnicas y planteos formales. La coherencia de las series que componen su trabajo debe buscarse en la motivación que los origina.

Para Res, la fotografía no ha sido tanto un medio para construir imágenes sino, más bien, la imagen ha sido un medio para reconstruir el lenguaje fotográfico.

De origen judío, nace en el Berlín en el año 1920. Justo cuando comienza la persecución contra los judíos, abandona Alemania hacia Singapur, donde trabajó como fotógrafo en un diario.[2] Es ahí donde comienza su carrera fotográfica, aunque como tantos otros artistas no gozaba del apoyo de su padre.

De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser alemán, estuvo un periodo en un campo de internamiento. Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial.

Después de la guerra, pone su propio estudio de fotografía y continua ese punto y aparte que sufrió su carrera. Es por esa época cuando conoce a la más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marcha a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viaja a París para trabajar con revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijará su residencia habitual. Allí su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de más éxito. Los últimos años de Newton están a caballo entre Nueva York y Montecarlo.

El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra allí donde se observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia le han hecho portada de las más prestigiosas revistas. Son famosas sus fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos y alguna se ha convertido en una imagen icónica del siglo XX.[3] Realmente, Newton ha sido un enamorado de la belleza, que casi obsesivamente, sabía captar como nadie con su cámara. Para visitar la mayor parte su obra y también objetos personales suyos tales como cámaras, bolsas de material y artículos usados para fotografiar debe dirigirse a Berlín, a la Fundación Helmut Newton, Museum für Fotografie. Jebensstrasse, 2

El 23 de enero de 2004 Helmut Newton moría en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado fotográfico nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente en castellano.

Vizioli;  Tejeda; Nogues; Fiorio.

Celebre fotógrafo norteamericano, por sus fotografías blancas y negras de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.

Mapplethorpe nació en 1946, el tercero de seis hijos, y creció en un entorno católico romano de herencia inglesa e irlandesa en la Parroquia Nuestra Señora, y falleció en la mañana del 9 de marzo de 1989, en un hospital de Boston, Massachusetts, por complicaciones derivadas del sida, a los 42 años de edad. Sus cenizas fueron enterradas en la tumba de su madre, en Queens, Nueva York. Su nombre no aparece en la lápida, marcada con la palabra Maxey. A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad sadomasoquista underground. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico.

Empieza su carrera de reportero en la agencia NA. En 1976, tras ser secuestrado por el ejército, se exilia en Madrid. Allí reside hasta 1983 y trabaja para medios europeos y americanos –Associated Press, New York Times, Time (Estados Unidos), Interviú, El Periódico de Cataluña, Dinero (España), Siete Días, La Semana, El Gráfico (Argentina ). Con el retorno de la democracia vuelve a la Argentina y se incorpora a la recién creada agencia DyN, espacio fundamental de la fotografía documental de los 80. Allí se desempeña como editor jefe. En esa calidad, es el responsable de la formación de muchos de los mejores fotógrafos jóvenes en la Argentina.
Mientras tanto, sus trabajos también son publicados por Der Spiegel, Geo (Alemania), Veja, Isto É (Brasil), las agencias Reuters y France Presse, entre otros.
En 1996 pasa a trabajar como editor en el diario Clarín.
Durante toda la década del 90 realiza su proyecto sobre la crisis laboral en su país. Fruto de este trabajo es su libro Extinción, últimas imágenes del trabajo en la Argentina.

Gonzalez Karen 3º pol

 Sebastião Salgado es un fotógrafo brasileño nacido en Aimores, Minas Garais, en 1944. Recibió en 1988 el Premio Príncipe  de Asturias de las artes.

Salgado pertenece a esos fotógrafo comprometidos con lo social, en la tradición de la fotografía sociocultural Trabajó en la administración de OIC (Organización Internacional del Café, pero en  1973 abandona su carrera para dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajado para la agencia de sede en París Gamma, pero en 1979 se une a Magnum Photos.

En  1994 deja Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París para representar su obra. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza.

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras américas, Éxodo,…. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica. En junio de 2007 ha tenido una gran exposición antológica sobre su trabajo en Madrid, dentro de PHotoEspaña.

Diego Fernandez y Alan Gomez

BIOGRAFIA

Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años. En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa época, también, se divorcia de Allan. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que la da a conocer al público mayoritario. Continua trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.

 SU OBRA

Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador “temor y vergüenza”. Fue Pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.

 FOTOGRAFIAS DESTACADAS

  • Child with Toy Hand Grenade in Central Park (1962)
  • Identical Twins (1967)
  • Jewish Giant at Home with His Parents in The Bronx, NY (1970)

 PELICULA

Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (en inglés) o Retrato de una obsesión (en castellano) es el título de una película de ficción producida en 2006 en la que el personaje de Diane Arbus es el protagonista. Fue dirigida por Steven Shainberg y protagonizada por Nicole Kidman y Robert Downey Jr. y la trama, que es ficticia, se centra en un periodo de la vida de la artista extraído del libro Diane Arbus: A Biography as a source de Patricia Bosworth.

FUENTE DE INFORMACION: WIKIPEDIA

El casino club de Trelew

En pleno centro de la ciudad se encuentra este importante Centro de Entretenimientos: Casino Club Trelew, inaugurado el 30 de Abril de 2004.

Este casino se presenta como uno de los más importantes de la Patagonia. El edificio rescata el espíritu de la arquitectura industrial inglesa, con un diseño que incorpora elementos del estilo constructivo galés.

Su acceso exterior, su fuente de agua iluminada y la envergadura de su edificación atrapan la atención de todo aquel que transita la zona e invitan a conocer este casino único en la Patagonia Argentina.

Este casino, en sus más de 3.000 m2, ofrece al visitante 8 mesas de Ruleta, 1 mesa de Punto y Banca, 2 de Black Jack, 1 de Casino Poker, 1 de Craps y 346 Máquinas Tragamonedas. Todas las máquinas poseen Jackpots progresivos individuales o por grupo. La sala contará a partir del año 2008 con el sistema Ticket In – Ticket Out que brinda mayor facilidad para las operaciones de apuestas y cobro de premios.

La oferta de entretenimiento incluye: dos sectores de Confitería que cuentan con una amplia barra, un Restaurante de primera categoría y un gran escenario ubicado en el

centro de la gran sala, lo que hace que pueda ser observado desde todas las áreas del casino.

Posee además cuatro pantallas gigantes en las cuales pueden seguirse en vivo y en directo los espectaculares shows musicales que se presentan en el casino y los eventos deportivos más importantes.